Композиторы 20 века

20 век для музыки был довольно-таки плодотворным. Музыка претерпевала различные изменения и подвергалась влиянию множества событий, которые происходили в то время. Войны, революции достаточно ощутимо влияли на музыкальные произведения. Помимо этого еще одним немаловажным фактором, стало появление кинематографа. В связи с этим многие советские композиторы 20 века взялись за написание музыки к различным кинолентам и добились в данной области отличных результатов. Многие советские композиторы 20 века стали настоящими профессионалами в области написания музыки к кинофильмам. Правда, они еще не прошли в большинстве своем достаточного испытания временем, чтобы относиться к категории "классическая музыка". В это время творил советский композитор М. Таривердиев. Композитор писал музыкальное сопровождение для таких кинолент, как, например, "Король-Олень", "Любить", "Ирония судьбы". Тогда же работал Дога. Е.Д. Дога - молдавский советский композитор, написавший музыку для многих известнейших кинолент. Среди которых: "Табор уходит в небо", "Бульварный роман" и др. Однако композиторы 20 века - это отнюдь не только композиторы, прославленные киномузыкой. Имена таких композиторов как Кальман, Хачатурян, Пуччини, Прокофьев, Дебюсси, Рахманинов, известны многим ценителям хорошей музыки.

Такой богатый репертуар есть только в театр моссовета, хотя другие театры тоже ничего.

Дарование Рахманинова проявилось рано и ярко. Ко времени окончания консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых - знаменитая Прелюдия до-диез минор, Первый фортепианный концерт, опера "Алеко". Последовавшие за ними Пьесы-фантазии, Сюита для двух фортепиано, "Музыкальные моменты", романсы - подтвердили мнение о Рахманинове как о таланте сильном, глубоком, самобытном. Решительный и властный в исполнительстве и творчестве, Рахманинов по натуре был человеком ранимым, часто испытывал неуверенность в себе. Сильное потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к творческому кризису. Несколько лет Рахманинов ничего не сочинял, зато активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся дирижёрский дебют. Только в начале 1900-х годов у Рахманинова произошло возвращение к творчеству. Новый век начался с блистательного Второго фортепианного концерта. Современники услышали в нём голос Времени с его напряженностью, взрывчатостью, ощущением грядущих перемен. В жизни Рахманинова наступает новый этап. Всеобщее признание в России и за рубежом получает пианистическая и дирижёрская деятельность Рахманинова, в 1909 году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт. В конце 1917 года Рахманинов с семьёй покинул Россию, как оказалось, навсегда. Более четверти века прожил он в США, и этот период был в основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся жестоким законам музыкального бизнеса. Первые годы пребывания за границей Рахманинова не покидали мысли об утрате творческого вдохновения: "Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя". Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж Рахманинов возвращается к творчеству, создает Четвертый фортепианный концерт, Третью симфонию, "Симфонические танцы". Эти произведения - последний, самый высокий рахманиновский взлёт. Скорбное чувство невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной трагической силы, достигающей своего апогея в "Симфонических танцах". Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине, олицетворением которой стало его искусство.

Отличие от многих своих предшественников и современников, Шопен сочинял почти исключительно для фортепиано. Он не оставил ни одной оперы, ни одной симфонии или увертюры. Тем более поразительно дарование композитора, сумевшего создать так много яркого, нового в области фортепианной музыки.

XX век – эпоха больших преобразований в мировой культуре, в частности, музыкальной. С одной стороны, повлияли обе мировые войны и множество революций - общее неспокойное положение в мире.

С другой стороны –прогрессирующее на глазах технологическое развитие привело к созданию кардинально новых жанров, стилей, направлений, способов музыкального выражения. Несмотря на это, некоторые композиторы XX века не отказывались от традиционных классических форм и развивали и обогащали данный вид искусства. В рамках этой статьи речь пойдет о таких новаторских композиторских школах и композиторах, как

• Ново-венская школа и ее представители
  • Композиторы «Французской шестерки»
    • Композиторы-авангардисты

Ново-венская школа

Одним из первых новаторов в начале XX века является австрийский композитор Арнольд Шенберг, который возглавил Ново-венскую школу и создал додекафонную систему. Его ученики и последовали – Альбан Берг и Антон Веберн - полностью отказались от тональной системы, таким образом создали атональную музыку, что означает отказ от тоники (главного звука). Исключением являются последние произведения А. Берга. Композиторы-атоналисты в основном сочиняли в экспрессионистском стиле, на котором лежат отпечатки жестоких потрясений человечества от потерь близких во время войны, голода, холода, нищеты. Атональная система в течение некоторого времени исчерпала себя, однако и в дальнейшем, на протяжении всего XX века и по сей день, многие композиторы пробуют свои силы, используя данную технику.

«Французскaя шестерка»

Почти одновременно с группой Шенберга во Франции начинают действовать композиторы «Французской шестерки», объединенные общим мироощущением. Это А. Онеггер, Д. Мийо, Ф. Пуленк, Ж. Орик, Л. Дюрей, Ж. Тайефер. Композиторы «Шестерки» хотели сделать музыкальное искусство доступным для представителей всех слоев населения. Тем не менее, их музыка оказалась в одном ряду со многими классическими произведениями. Композиторы «Шести» в своих произведениях пропагандировали направление урбанизма, связанного с ростом городов и высокотехнологического прогресса XX века. Использование в произведениях различных шумовых эффектов (особенно в произведениях А. Онеггера) – гудков, ритма паровоза и др.- своеобразная дань направлению урбанизации.

Авангард 50-х

В 50-х годах прошлого столетия на арене появляются композиторы-авангардисты П.Булез (Франция), К.Штокхаузен (Германия), Л. Ноно и Л. Берио (Италия). Музыка для этих композиторов превращается в поле для экспериментов, где большее внимание уделяется конструкции звукового ряда, нежели самому содержанию музыкального полотна. Особое место в их творчестве занимает сериальная техника, которая берет начало из додекафонной системы и доводится до апогея. Создается тотальный сериализм – в этой технике письма сериальность отражается на всех элементах музыкального целого (ритм, мелодия, динамические оттенки и др.). Композиторы авангарда являются также основоположниками электронной, конкретной, минимальной музыки и техники пуантилизма.

Выше представлен небольшой перечень музыкальных стилей, направлений, музыкального выражения, посему можно представить, какое разнообразие несет в себе этот интересный, многослойный и многоликий XX век.

Двадцатый век

И снова мы вернулись к вопросу классификации и к упорному стремлению музыки выйти за любые рамки, в которые её пытаются заключить люди, любящие всё раскладывать по полочкам. Все упомянутые в этой главе композиторы создавали музыку на протяжении XX века, и во многих справочниках о них пишут как о представителях современности. Но мы не уверены, насколько оправдано такое определение, и затрудняемся сказать, кого же с полным правом можно назвать нашими современниками.

В результате мы решили разделить весь массив информации на две главы; во второй главе мы рассказываем о композиторах, которые пишут музыку уже после 2000 года.

По этой же причине мы считаем, что было бы не совсем верно называть скончавшихся семьдесят или восемьдесят лет назад композиторов современными.

Возможно, кто – нибудь однажды придумает более подходящий термин, а пока мы включили их в категорию «Двадцатый век».

В этом веке мир приобрёл знакомые нам очертания. Телефоны, радио, телевидение, широкое распространение автомобилей, самолёты, исследование космоса, персональные компьютеры – это навсегда изменило образ жизни людей.

Особенно сильное влияние на общество и международные отношения оказали две мировые войны.

Менялось в этом столетии и социальное устройство общества; США и Россия достигли статуса сверхдержав.

Наш первый композитор XX века, Клод Дебюсси, считается настоящим новатором. Именно с его именем связывают грандиозные перемены, касающиеся правил написания классической музыки. Дебюсси жил в Париже, который в то время был поистине музыкальным центром мира.

Ещё во время обучения Дебюсси продемонстрировал свой талант к сочинению музыки с необычной для той эпохи гармонией. Его называли «композитором – импрессионистом», потому что он много общался с художниками, принадлежащими к этому течению в живописи.

Дебюсси черпал вдохновение из картин, литературных произведений и быта художников, обитавших в парижском районе Монмартр, где у него была квартира. Особенно его вдохновляло всё, связанное с Востоком.

Личная жизнь Дебюсси отличалась сложностью: две его любовницы попытались покончить жизнь самоубийством после того, как он их бросил ради других женщин. Ближе к концу жизни он долго страдал от рака. К тому времени, как болезнь его в конце концов победила, он добился международного признания.

Музыка Дебюсси настолько отличалась от всего, что существовало ранее, что вы, услышав его произведения, сразу поймёте – это сочинения человека, проложившего дорогу дальнейшим экспериментам.

Ещё один француз, Эрик Сати, сделал свою музыку предельно не похожей на всё остальное.

Сати с полным правом можно назвать экстравагантным чудаком, что видно даже на примере названий, которые он давал своим произведениям: Настоящие вялые прелюдии (для собаки); Засушенные эмбрионы; Пять ухмылок, или Усы Моны Лизы; Меню для детских целей; Три пьесы в форме груш [на самом деле их было семь]; Вальс шоколадных миндалин и Вещи, увиденные справа и слева без очков.

Одна из странных композиций Сати называется Раздражения (Vexations) и состоит из небольшой музыкальной темы, которую нужно повторить восемьсот сорок раз. Неудивительно, что она никогда не пользовалась большой популярностью в концертных залах, хотя время от времени её всё – таки исполняют – обычно в качестве эксперимента или причудливого трюка, а не серьёзного выступления.

Странности Сати проявились и в его балете Парад, в котором звучали печатная машинка, свисток и сирена.

Но если оставить в стороне все эти чудачества, то он писал прекрасную музыку для фортепиано, включая знаменитые Гимнопедии, хотя даже очень хорошо знавшая его сестра признавалась:

«Моего брата всегда было трудно понять. Он казался не совсем нормальным».

Третий композитор и один из самых значительных музыкальных деятелей XX века также родом из Франции.

Морис Равель пользуется необычайной славой, во многом благодаря своему Болеро, которое постоянно исполняется на различных мероприятиях, в том числе и спортивных – его, например, часто выбирают в качестве музыкального сопровождения фигуристы.

Наряду с Дебюсси Равеля причисляют к «импрессионистам». Он также ввёл в музыкальную традицию много нового и также не всегда был в ладах с музыкальными авторитетами Франции.

Равель блестяще владел фортепиано и сочинил много произведений для этого инструмента, хотя многие ценители музыки называют вершиной его творчества балет Дафнис и Хлоя.

Отличаясь невысоким ростом, Равель не попал солдатом на фронт Первой мировой войны, но сумел добиться того, чтобы его взяли водителем. Жестокие сцены произвели на него неизгладимое впечатление, отразившееся в его музыке того времени: например, достаточно вспомнить очень трогательную Могилу Куперена.

Оставим эксцентричную Францию и перенесёмся через Ла – Манш в Англию, где встретим человека, достойного встать в один ряд с Эдуардом Элгаром в качестве одного из самых английских композиторов.

Ральф Воан – Уильямс родился в графстве Глостершир, в деревне со старомодным названием Даун – Эмпни. Любопытно, что, несмотря на традиционное написание его имени «Ralph», часто передаваемое как «Ральф», на самом деле оно произносится «Рейф».

Воан – Уильямс начал собирать традиционные английские мотивы ещё в юном возрасте. Позже он использовал их в своём творчестве, благодаря чему и добился большого успеха и признания у себя на родине.

Образование он получил в Королевском музыкальном колледже в Лондоне. Одновременно там с ним учился и Густав Холст, с которыми они стали друзьями на всю жизнь.

Всего Воан – Уильямс написал девять симфоний, шесть опер и три балета, а также многочисленные гимны, песни и мелодии для театра и кино. За последние двадцать лет наблюдается растущий интерес к этому композитору, а особенно популярным среди слушателей радио Classic FM стало его произведение Взлетающий жаворонок. Посредством него композитор пытается изобразить английскую сельскую местность. Из – за этого Взлетающий жаворонок походит на другие его произведения.

Кстати сказать, Воан – Уильямс был не единственным знаменитым представителем своего семейства – он приходился внучатым племянником великому натуралисту Чарлзу Дарвину.

Другой «парень из Глостершира», Густав Холст, родился в Челтнеме, где его отец работал органистом и преподавателем игры на фортепиано.

Семья Холста была шведского происхождения, и полностью его звали Густавус Теодор фон Холст. Во время Первой мировой войны, опасаясь, что его могут принять за немца, Холст сократил своё имя.

По профессии Холст был тромбонистом, но после стал очень талантливым преподавателем и на протяжении многих лет занимал должность директора лондонской Музыкальной школы Святого Павла для девочек. Вдохновение он находил в английских народных песнях, хотя его также привлекали астрология и поэзия Томаса Харди. Когда Холста спросили о том, как сочинять музыку, он ответил:

«Никогда ничего не сочиняйте, если только вы не испытываете определённое беспокойство от того, что ничего не сочиняете».

В наши дни его легко принять за «автора одного хита», поскольку наибольшей популярностью пользуется его сюита Планеты. Шесть из семи частей этой сюиты соответствуют шести планетам: Марс (Вестник войны), Венера (Вестник мира), Юпитер (Приносящий веселье), Уран (Волшебник), Сатурн (Вестник старости) и Нептун (Загадка). Посланник богов Меркурий служит темой отдельной части. Как видно, Плутон в список планет не включён, а причина проста – в то время, когда Холст сочинял своё произведение, эта планета ещё не была открыта. И хотя сюиту Планеты часто воспринимают как цельную композицию, одну её часть – Юпитер – иногда исполняют отдельно, поскольку она стала гимном английского регби (Даю клятву тебе, моя страна).

Третий из примечательных английских композиторов XX века, Фредерик Делиус, родился в Брэдфорде, в семье преуспевающего торговца шерстью, которому не нравилась сама мысль о том, что его сын может стать музыкантом. Надеясь отвлечь сына от музыки, отец Делиуса послал его управлять плантацией апельсинов в США. Но затея эта возымела совершенно противоположный эффект. Делиус написал там хоральные пьесы Аппалаччио, в которых нашла отражение музыкальная традиция афроамериканских спиричуэл.

В США Делиус брал уроки у американского органиста Томаса Варда. Когда он вернулся в Европу, отец решил больше не препятствовать сыну, и молодой человек уехал обучаться в Лейпциг.

Окончив обучение, Делиус переехал в Париж, где и прожил большую часть жизни. Там же он заболел сифилисом, в результате чего до конца жизни оставался парализованным и слепым. В это время он был вынужден диктовать свои сочинения помощникам.

Большинство композиций Делиуса очень английские по характеру. Взять для примера Английскую рапсодию Ярмарка в Бригге. Её вариации основаны на народной английской песне графства Линкольншир.

А теперь в нашем списке человек, в отношении которого существуют диаметрально противоположные точки зрения. Некоторые сказали бы, что он вообще недостоин упоминания на страницах этой книги; другие назвали бы его одним из величайших композиторов XX века. Прослушать его произведения, вообще не составив никакого определённого мнения о них, очень трудно.

Арнольд Шёнберг никогда не пользовался особой популярностью среди широкой публики и организаторов концертов, но он оказал значительное влияние на других композиторов, некоторые из которых ценили его очень высоко.

Поначалу Шёнберг писал музыку в романтическом стиле, но потом разработал совершенно иной способ сочинения, с совершенно новым набором правил. До него композиторы писали музыку, руководствуясь правилами гармонии и мелодичности, используя при этом одну или несколько групп нот (тональностей). Согласно прежним правилам композитор более всего должен был опасаться диссонансов – негармоничных сочетаний звуков. Шёнберг полностью отказался от этих правил и заменил их предписанием не повторять одну ноту, пока не будут сыграны остальные. Все ноты октавы были объявлены равноправными, и в результате возникли такие методы, как додекафония и сериализм. На практике они приводили к резким, негармонирующим аккордам.

На радио Classic FM мы редко ставим музыку Шёнберга: многие слушатели говорят, что она им не нравится. Тем не менее мы предпочли упомянуть о нём в нашей книге, поскольку он, несомненно, был очень важной фигурой в классической музыке XX века, но для того, чтобы понять и оценить его сочинения, нужно специально готовиться.

Следует также помнить о том, что, хотя другие композиторы и испытали влияние Шёнберга, они не обязательно следовали его техническим приёмам.

В нашей книге подробно рассказано о жизни и творчестве лишь одного венгерского композитора – великолепного пианиста – виртуоза Ференца Листа. Но Бела Барток писал музыку, которая кажется венгерской гораздо больше, чем сочинения его предшественника. По сути дела, венгерская народная музыка стала главной страстью всей жизни Бартока.

Вместе со своим другом, композитором Золтаном Кодаем, Барток объездил всю страну, собирая народные мелодии и песни и записывая их на примитивное устройство с восковыми цилиндрами. Эти два музыканта собрали огромную коллекцию народной музыки, тщательно упорядочив свои находки. До них народные мелодии и песни переходили от одного человека к другому, никто и не думал их записывать. Многие из них были бы утрачены безвозвратно, если бы не усердие Бартока и Кодая.

Барток служил профессором по классу фортепиано в Музыкальной академии Ференца Листа, но после начала Второй мировой войны решил покинуть Венгрию и переехать в Америку, где стал преподавать в университете, а также сочинять концерты для фортепиано и исполнять их. Но там он не пользовался такой популярностью, как у себя на родине. В 1945 году он скончался от лейкемии.

Одно из произведений в наследии Бартока, Концерт для оркестра, представляет особый интерес. Обычно концерты пишут для одного инструмента и оркестра, но Барток полагал, что

Бостонский симфонический оркестр настолько великолепен, что заслуживает целого концерта для сольных партий различных входящих в него инструментов.

Игорь Фёдорович Стравинский – настоящий гигант среди композиторов XX века. Он всегда отличался склонностью к нововведениям и часто опережал все новые тенденции в классической музыке.

В детстве Стравинскому посчастливилось стать учеником Николая Римского – Корсакова. Никаких других формальных уроков в искусстве сочинительства он не получал.

Впоследствии его талант заметил выдающийся импресарио Сергей Дягилев, обладавший огромным влиянием и способный как привести композитора к славе, так и лишить её. Дягилев поручил Стравинскому написать музыку к балету Жар – птица, основанному на русских народных сказках. Этот балет произвёл настоящий фурор.

Следующим заказом Дягилева Стравинскому стал Петрушка – ещё один балет, заслуживший безоговорочное признание критиков и принёсший создателям и организаторам немалые деньги. Но следующее совместное предприятие оказалось не столь удачным. Премьера Весны священной закончилась бурным негодованием публики, зрители устроили настоящий бунт. Тем не менее некоторые из них признали талант Стравинского и были готовы защищать его творчество от нападок.

Из России Стравинский переехал в Швейцарию, оттуда во Францию и в конечном итоге осел в США, где сначала проживал в Сан – Франциско, потом в Лос – Анджелесе, а затем в Нью – Йорке. Он никогда не боялся использовать новые методы, так что его стиль со временем значительно менялся. Временами он шёл на смелые эксперименты, а потом резко приближался к классическим музыкальным традициям. Склонность к непостоянству заметна и в других аспектах его жизни. Так, например, он три раза поменял гражданство.

Стравинский никогда не скупился на меткие изречения, шла ли речь о других композиторах, о зрителях или о классической музыке в целом. Его цитаты приведены и на других страницах нашей книги, а здесь достаточно вспомнить два его любимых высказывания:

«Слишком многие музыкальные сочинения заканчиваются гораздо позже финала».

«Умение слышать требует усилия, а в том, чтобы просто слушать, нет никаких заслуг. Утка тоже слушает!»

Другой гигант русской музыки XX века, Сергей Сергеевич Прокофьев, принадлежит к обширной когорте вундеркиндов, о многих из которых уже упоминалось на страницах нашей книги.

В данном случае к одиннадцати годам мальчик уже успел сочинить целых две оперы.

Отучившись в Петербургской консерватории, где он заслужил себе имя дерзкого композитора – модерниста, Прокофьев продолжил писать музыку, которая, говоря по существу, просто шокировала слушателей. Дягилев и ему поручил написать два балета, но они не пользовались такой популярностью, как балеты Стравинского.

После прихода к власти большевиков Прокофьев решил уехать в США, где добился немалого успеха в качестве концертирующего пианиста. Ему поручили написать оперу Любовь к трём апельсинам на основе его фортепианного сочинения. Поначалу она встретила холодные отзывы, но позже стала одним из самых известных произведений композитора и уж определённо самой удачной из всех его опер.

В 1936 году Прокофьев решил вернуться на родину, но время он выбрал крайне неудачное – советская власть не терпела инакомыслия. Поначалу Прокофьева обвиняли в том, что он пишет «антинародную» музыку, но ему удалось отстоять свои позиции.

По странной прихоти судьбы Прокофьев скончался от кровоизлияния в мозг в тот же день, что и Сталин – человека, с позволения которого власти травили композитора.

Отец Франсиса Пуленка был богатым химиком, владельцем семейной компании «Rhone – Pou – lenc».

Это самый известный представитель французской «шестёрки» (другие – Дариюс Мийо, Жермен Тайефер, Артюр Онеггер, Луи Дюрей и Жорж Орик).

Прославился Пуленк своим балетом Les Biche (Лани), а затем большой серией популярных французских песен. Впрочем, после смерти одного из друзей его стиль резко поменялся. Композитор обратился к религии, что отразилось и на его музыке. В этот период он создал ряд религиозных сочинений, в том числе и великолепную Глорию.

Пуленк также известен многим поколениям детей как сочинитель Истории слонёнка Бабара, которая остаётся прекрасным средством познакомить молодое поколение с классической музыкой.

Следующая тройка довоенных композиторов жила и творила в Соединённых Штатах Америки. И хотя мы уже упоминали США в нашей книге, особенно в разделе про романтический период, американских композиторов в ней ещё не было.

Джордж Гершвин, по всей видимости, был самым богатым среди всех композиторов классической музыки своего времени, так как ему удавалось откладывать на свой банковский счёт ни много ни мало по двести пятьдесят тысяч долларов в год – для 1930–х годов это была довольно внушительная сумма.

Гершвин написал музыку к ряду пользовавшихся большим успехом бродвейских постановок и фильмов; сочинял он и оркестровые композиции.

Отличаясь виртуозным исполнением музыки на фортепиано, он с успехом гастролировал по США и Европе.

Имея большой опыт в сочинении мюзиклов, Гершвин сразу распознавал мелодию, способную стать настоящим хитом, и его оркестровые произведения, такие как Рапсодия в блюзовых тонах или Американец в Париже, почти целиком состоят из запоминающихся мотивов. В его опере Порги и Бесс звучат знаменитые арии «Summertime» и «I got Plenty o" Nuttin"», популярные до сих пор.

Говорят, что противоположности сходятся, и подтверждением тому служит тот факт, что большим ценителем творчества Гершвина был Арнольд Шёнберг. Трудно представить себе людей, писавших настолько разную музыку. Тем не менее они поддерживали знакомство и даже играли вместе в теннис.

Наш следующий композитор уникален уже тем, что прожил практически весь XX век. Аарон Копленд родился в Нью – Йорке, в семье еврейских иммигрантов. Его родители приехали в Соединённые Штаты из Литвы и их настоящая фамилия была Каплан. Подростком он решил стать композитором и отправился учиться в Париж. Вернувшись в Америку, он загорелся идеей включить в своё творчество настоящие американские мотивы. И хотя его музыка остаётся классической, что не подвергается сомнению, в ней много элементов джаза и народной музыки.

Копленд написал ряд пользовавшихся большим успехом балетов, таких как Парень Билли, Родео и Весна в Аппалачах. Все они сейчас считаются национальными американскими символами, такими же, как, например, яблочный пирог. Его Фанфары для простого человека исполняются при инаугурации президента Соединённых Штатов.

После Второй мировой войны Копленд сменил стиль и стал использовать принципы сериализма, родоначальником которого был Шёнберг. Его сочинения этого времени далеко не так популярны, как прежние произведения, хотя он однажды сказал:

Сэмюэл Барбер сочинял романтическую по стилю музыку тогда, когда романтический период давно уже закончился. Он даже родился в году, который считается формальной датой окончания этого периода.

В отличие от Шёнберга, Стравинского или Копленда, Барбер не отличался новаторскими методами, и таких ярких и популярных мелодий, как мелодии Гершвина, он тоже не писал. Зато он сочинял запоминающуюся музыку, хотя при жизни было опубликовано всего около пятидесяти его сочинений.

Сегодня чаще вспоминают Адажио для струнных, которое режиссёр Оливер Стоун использовал в своём фильме «Взвод», посвящённом войне во Вьетнаме, а также Концерт для скрипки, представляющий довольно большую трудность для скрипача в последней части.

Сегодня Хоакин Родриго известен прежде всего своим Аранхуэсским концертом, так что его можно принять за композитора одной мелодии. Но он много писал и для гитары, хотя сам гитаристом не был. Именно во многом благодаря этому композитору гитару стали воспринимать как серьёзный классический инструмент, достойный выступления с оркестром. В этом Родриго оказали неоценимую помощь два виртуоза – английский гитарист Джулиан Брим и австралийский гитарист Джон Уилямс (не путайте его с американским композитором Джоном Уильямсом, о котором будет сказано далее).

Для музыки Родриго характерны солнечные испанские мелодии, и, хотя его помнят преимущественно в связи с одним произведением, наследие его велико. В три года он полностью ослеп и при записи нот пользовался шрифтом Брайля. Он часто утверждал, что не стал бы композитором, если бы не слепота.

Уильям Уолтон унаследовал от Эдуарда Элгара титул любимого композитора английских официальных кругов. Родился он в Олдоне, но большую часть детства провёл в оксфордском колледже Крайст – Чёрч, где пел в хоре мальчиков и обучался музыке. По окончании колледжа ему повезло найти покровителей в лице семейства Ситвелл, члены которого увлекались искусством и обеспечивали финансовую поддержку композитора, так что ему не приходилось беспокоиться о заработке и оставалось только сочинять музыку.

В возрасте девятнадцати лет Уолтон написал произведение Фасад, музыкальное сопровождение к довольно вычурной и театральной поэме Эдит Ситвелл. На третьем десятке жизни он сочинил два из самых известных своих произведений, Альтовый концерт и Пир Валтасара, захватывающую дух ораторию, поставленную в Лидсе.

В 1940–х годах Уолтон стал известным композитором, сочинявшим музыку к кинофильмам. Особенно плодотворно его сотрудничество с Лоуренсом Оливье в постановке шекспировских пьес. Кроме этого он писал музыку к официальным государственным торжествам, такую как Имперская корона и Держава и скипетр.

В 1948 году Уолтон с женой покинули Великобританию и переехали на остров Искья у побережья Италии, где его жена живёт до сих пор. Если вам случится побывать на этом острове, не забудьте посетить дом композитора, окружённый прекрасным садом.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович – ещё один композитор, который, как и Уильям Уолтон, писал много музыки к фильмам, включая очень известный Романс из «Овода» и менее известный, но очень впечатляющий Штурм Красной горки.

Музыкальное образование Шостакович получил в Петербургской консерватории, где ещё студентом написал Симфонию № 1, тут же названную шедевром. В 1934 году его отношения с властями осложнились, особенно после того, как Сталин неодобрительно отозвался о его опере Леди Макбет Мценского уезда. На следующий день в газете «Правда» появилась статья под заголовком «Сумбур вместо музыки», автор которой назвал композитора едва ли не врагом народа.

Чтобы заслужить благосклонность властей, Шостакович в ответ на нападки написал Симфонию № 5, которую в официальной печати называли «Деловой творческий ответ советского художника на справедливую критику». Задумка сработала, и композитору позволили дальше заниматься своей работой, хотя напряжённые отношения с властями у него были и впоследствии. Относительную свободу творчества он получил только после смерти Сталина в 1953 году.

Музыка Шостаковича очень разнообразна – от лёгкой и яркой, как в Джазовых сюитах, до тёмной и трагичной, как в Симфонии № 7 (эта эпическая музыкальная поэма повествует о блокаде Ленинграда немецкими войсками).

Вот один из любопытных фактов, связанных с именем Шостаковича: одну из его песен на своём корабле исполнял по радио первый космонавт Юрий Гагарин.

Наш следующий композитор, Джон Кейдж, попадает в ту же категорию, что и Шёнберг. На нашем радио Classic FM мы не так уж часто исполняем произведения Кейджа – опять – таки в силу того, что многие слушатели сообщают, что вовсе не горят желанием их услышать. Тем не менее это очень значимая фигура для классической музыки XX века, поэтому он заслуживает упоминания в нашей книге.

Кейдж был одним из главных экспериментаторов в классической музыке. Он поставил себе целью исследовать различные звуки, которые не подчиняются правилам, созданным музыкантами за весь описываемый нами период, от Средневековья до современности. Его собственные произведения были как чрезвычайно просты, так и весьма сложны и хаотичны.

Кейдж даже создал новый инструмент, «подготовленное фортепиано», подкладывая в корпус рояля кусочки металла и резины, чтобы добиться уникального и неповторимого звучания. В некоторых своих произведениях он использовал магнитофонную запись.

Самое скандальное произведение Кейджа называется 4"33 и представляет собой четыре минуты тридцать три секунды абсолютной тишины, когда пианист просто сидит за инструментом. Предполагается, что так внимание публики привлекается к другим звукам, которые слышатся в концертном зале. Некоторые любители экспериментальной музыки даже утверждают, что в этом произведении заключена целая философская концепция. Мы же считаем, что эта ситуация, скорее, напоминает сказку «Новое платье короля», которую им никто не удосужился прочитать в детстве.

Бенджамин Бриттен родился в английском графстве Саффолк, в городе Лоустофт, а последние тридцать лет своей жизни прожил в деревне Олдборо на морском побережье, где учредил и проводил Олдборгский фестиваль – один из самых известных английских музыкальных фестивалей. Там он проживал вместе со своим верным спутником, тенором Питером Пирсом, исполнявшим главные партии во многих его сочинениях.

Особенно Бриттену удавались оперы и вокальные сочинения. Лучшими его произведениями считаются опера Питер Граймз и Военный реквием, написанный для открытия собора в Ковентри. Вместе с тем чаще всего исполняется его совсем другое произведение – Путеводитель по оркестру для юношества. Оно было призвано познакомить молодёжь с различными группами инструментов симфонического оркестра, и на его основе был снят документальный фильм. Вообще – то официальное название произведения – Вариации и фуга на тему Генри Пёрселла (на музыку, которую Генри Пёрселл написал для пьесы «Абделазер»).

Бриттен оставил нам одно из лучших метафорических описаний деятельности композитора:

«Сочинять музыку – всё равно что возвращаться домой по туманной дороге. Подъезжая всё ближе к дому, различаешь всё больше деталей – цвет шифера на крыше и кирпичей, форму окон. Ноты и есть кирпичи и цемент музыки».

Бриттен первым из композиторов был удостоен титула пожизненного пэра, хотя это не мешало ему иногда высказываться весьма остро:

«Старое представление о том… что композитору в голову неожиданно приходит потрясающая идея и он сидит всю ночь и пишет – всё это чушь. Ночью надо спать».

Вряд ли кто из американских композиторов настолько сильно отличался от Джона Кейджа, как Леонард Бернстайн, писавший запоминающуюся музыку и обладавший необычайно яркой личностью.

Бернстайн к тому же был очень искусным пианистом и выдающимся дирижёром. Он разъезжал с гастролями по всему миру, выступал с лучшими оркестрами и одиннадцать лет был главным дирижёром Нью – Йоркского филармонического оркестра. Обладая талантом к композиции, он с равным энтузиазмом сочинял бродвейские хиты, вроде Вестсайдской истории, и трогательные хоровые произведения, такие как Чичестерские псалмы.

Бернстайн также первым из композиторов стал настоящей теле – и радиозвездой: много лет он вёл «Концерты для молодёжи».

Когда Бернстайн выступал на сцене, его помощник стоял за кулисами со стаканом виски в одной руке, полотенцем в другой и сигаретой во рту. Как только дирижёр заканчивал представление, он, весь в поту, убегал за кулисы, хватал полотенце, вытирал лицо, одним залпом глотал виски, делал глубокую затяжку сигаретой и только потом возвращался на сцену, чтобы поклониться публике.

Они оживили наши любимые фильмы.

Эдуард Артемьев

(род. 30 ноября 1937) - русский советский композитор в жанре электронной музыки. Известен, в частности, как автор музыки к фильмам Андрея Тарковского, Никиты Михалкова и Андрея Кончаловского.

Где послушать?

«Чисто английское убийство»,«Зеркало»,«Раба любви»,«Неоконченная пьеса для механического пианино»,«Сталкер»,«Несколько дней из жизни И. И. Обломова»,«Девочка и дельфин»,«Родня»,«Человек-невидимка»,«ТАСС уполномочен заявить»,«Курьер»,«Без срока давности»,«Визит к минотавру»,«Город Зеро»«,Утомлённые солнцем»,«Сибирский цирюльник»,«Доктор Живаго», «12»....

Геннадий Гладков

(род. 1935) - советский и российский композитор, автор музыки к кинофильмам, Народный артист России(2002).

Где послушать?

«Джентльмены удачи», «Люди и манекены», «Новогодние приключения Маши и Вити», «Ты - мне, я - тебе!», «12 стульев», «Собака на сене» «Обыкновенное чудо», «Сватовство гусара», «Благочестивая Марта», «Берегите мужчин!», «Формула любви», «После дождичка в четверг», «Человек с бульвара Капуцинов» «Дон Сезар де Базан» ...

Владимир Дашкевич

(род.20 января 1934) - советский и российский композитор и теоретик музыки. Лауреат Государственной премии СССР 1991 года.

Где послушать?

«Бумбараш»,«Красавец-мужчина»,«Голубой карбункул»,«Шерлок Холмс и Доктор Ватсон»,«Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона»,«Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона: Собака Баскервилей»,«Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона: Сокровища Агры»,«Без семьи»,«Пеппи Длинный чулок»,«Зимняя вишня»,«Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона: Двадцатый век начинается2,«Собачье сердце»,«Возвращение в Зурбаган»,«Человек из чёрной «Волги»»,«Армавир»,«Вор»,«Цирк сгорел, и клоуны разбежались»,«Ворошиловский стрелок»,«Воспоминания о Шерлоке Холмсе»,«Азазель»...

Максим Дунаевский

(род. 15 января 1945) - советский, российский. В 19 лет окончил музыкальное училище, в 25 - теоретико-композиторский факультет Московской консерватории по классу композиции. Его педагогами были Н.П. Раков, Д.Б. Кабалевский, А.Я. Эшпай, Т.Н. Хренников, А. Шнитке.Максим Дунаевский вполне мог стать композитором, пишущим классическую музыку. Но его судьбу определила встреча со студенческим театром МГУ «Наш дом», которым руководили Марк Розовский, Илья Рутберг и Альберт Аксельрод. Наряду с симфоническими, камерными и вокальными произведениями Максим Дунаевский стал писать музыку для театра, а позднее и для кино.

Где послушать?

«Д’Артаньян и три мушкетёра»,«Ах, водевиль, водевиль…»,«Летучий корабль»,«Карнавал»,«Кошкин дом»,«Мэри Поппинс, до свидания!»,«В поисках капитана Гранта»,«Ловушка для одинокого мужчины»,«Ребёнок к ноябрю»,«Мушкетёры двадцать лет спустя»,«Тайна королевы Анны, или Мушкетёры тридцать лет спустя»....

Александр Зацепин

(р. 1926) - российский композитор, автор музыки ко многим популярным фильмам. Наибольшей известностью пользуется музыка композитора, написанная к кинокомедиям Леонида Гайдая.В 1956 году Александр Сергеевич окончил Алматинскую консерваторию по классу фортепиано (учитель Е.Г. Брусиловский). Работал музыкальным оформителем на студии «Казахфильм».

Где послушать?

«Операция «Ы» и другие приключения Шурика»,«Кавказская пленница, или Новые приключения Шурика»,«Белый рояль»,«Бриллиантовая рука»,«Двенадцать стульев»,«Командир счастливой «Щуки»»,«Иван Васильевич меняет профессию»,«Земля Санникова»,«Ни слова о футболе»,«Не может быть!»,«Капитан Немо»,«Женщина, которая поёт»,«За спичками»,«Спортлото-82»,«Где находится нофелет?»,«На Дерибасовской хорошая погода, или На Брайтон-Бич опять идут дожди»...

Гия Канчели

(род.10 августа 1935) - советский и грузинский композитор, пишущий симфоническую музыку, музыку для театра и кино.

Где послушать?

«Не горюй!»,«Чудаки»,«Кавказский пленник»,«Мимино»,«Синема», «Ханума»,«Земля отцов наших»,«Кин-дза-дза!»,«Паспорт»,«Орёл и решка»,«Пан или пропал»,«Медвежий поцелуй»...

Евгений Крылатов

(23 февраля 1934) - советский и российский композитор. Написал музыку более чем к 120 фильмам и мультфильмам. Член Союза композиторов, Союза кинематографистов и Союза театральных деятелей.

Где послушать?

«Умка»,«О любви»,«Ох уж эта Настя!»,«Достояние Республики «,«Ищу человека»,«Конец императора тайги»,«Русалочка»,«Риск- благородное дело»,«Трое из Простоквашино»,«Приключения Электроника»,«С любимыми не расставайтесь»,«Приключения Васи Куролесова»,«Чародеи»,«Гостья из будущего»,«Лиловый шар»,«Лягушка-путешественница»...

Александра Пахмутова

(род. 9 ноября 1929) - выдающаяся российская и советская композитор-песенник. Автор более чем 400 песен.

Где послушать?

«Девчата»,«Жили-были старик со старухой»,«Три тополя на Плющихе»,«Закрытие сезона», «Моя любовь на третьем курсе»,«О спорт, ты - мир!»,«Полынь - трава горькая»...

Андрей Петров

(2 сентября 1930, Ленинград - 15 февраля 2006, Санкт-Петербург) - советский и российский композитор, автор опер, балетов, симфонических произведений, инструментальных концертов, эстрадной музыки, песен и музыки к многочисленным кинофильмам и драматическим спектаклям.

Где послушать?

«Человек-амфибия»,«Я шагаю по Москве»,«Тридцать три»,«Берегись автомобиля»,«Его звали Роберт»,«Зигзаг удачи»,«Старая, старая сказка»,«Старики-разбойники»,«Синяя птица»,«Белый Бим Чёрное ухо»,«Служебный роман»,«Гараж»,«Осенний марафон»,«О бедном гусаре замолвите слово»,«Вокзал для двоих»,«Жестокий романс»,«Забытая мелодия для флейты»,«Небеса обетованные»....

Алексей Рыбников

(род. 17 июля 1945 года в Москве) - композитор, Народный артист России (1999), Заслуженный деятель искусств Российской Федерации (1989), лауреат международных и общественных премий. В 1992 году был награждён орденом Орла I степени за деятельность общенародного значения. В 1993 году стал обладателем приза кинозрителей за лучшую музыку года к кинофильму «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты». С 1969 года - член Союза композиторов, с 1979 - Союза кинематографистов. Член Совета при Президенте России по культуре и искусству и Комитета по премиям Правительства Москвы.

Где послушать?

«Остров сокровищ»,«Большое космическое путешествие»,«Приключения Буратино»,«Усатый нянь»«Новые приключения капитана Врунгеля», «Тот самый Мюнхгаузен», «Юнона и Авось»,«Ералаш»,«Шла собака по роялю»,«Вам и не снилось»,«Звезда и смерть Хоакина Мурьеты»,«Сказки… сказки… сказки старого Арбата»,«Магистраль»...

Микаэл Таривердиев

(15 августа 1931- 25 июля 1996) - выдающийся советский и российский композитор армянского происхождения, народный артист РСФСР, народный артист России, автор музыки к фильмам.

Где послушать?

«Мой младший брат», «Добро пожаловать, или Посторонним вход воспрещён» , «До свидания, мальчики!» ,«Любить» ,«Король-олень» ,«Пассажир с „Экватора“» ,«Ошибка резидента» ,«Судьба резидента» ,«Семнадцать мгновений весны» ,«Ирония судьбы, или С лёгким паром!» ,«Ольга Сергеевна» ,«Мы, нижеподписавшиеся» ,«Ученик лекаря» ,«Загадка Эндхауза» ...

Спасибо lastfm.ru и ru.wikipedia.org за любезно предоставленную информацию.

20-09-2006

Коль скоро я оказался ^примкнувшим^ к восхитительному альманаху ЛЕБЕДЬ не с самого начала его появления в интернете, a пять лет спустя, то ненароком заинтересовался статьями на музыкальные темы, помещенными до моего пришествия. Меня заинтересовала статья Дмитрия Горбатова о Шостаковиче в 194 номере альманаха.

Написанное в статье о Шостаковиче мною было воспринято нормально, а неотнесение его к величайшим композиторам ХХ века, как и объяснения автора по этому поводу, отторжения не вызвали.

Но в приложении 1 к статье помещен список величайших композиторов ХХ века, который вызвал мое удивление и заставил смеяться до коликов. При этом не только меня одного, но также и моего друга, профессионального музыканта и композитора.

Из статьи Д. Горбатова

Одного взгляда на список оказалось достаточно, чтобы заметить не соответствующий списку заголовок. Дело в том, что нам известны имена композиторов, которые являются величайшими. А определение величайший , т.е. самый великий, не может быть привязано к какому-то веку. Бах, Моцарт, Бетховен были и остались величайшими композиторами, но жили в разные века. Поэтому любой композитор позднего времени, чтобы быть названным ^величайшим^, должен обладать достоинствами, которые позволили бы ему стать в один ряд с названными композиторами. И разного рода композиторам-пигмеям ХХ века, нашедшим или открывшим что-то ^новое^ в Музыке, но не совершившими в ней переворота, а лишь где-то оставившими следы (порой грязные) величайшими называть абсолютно неправомочно и несправедливо.

В приведенном списке ни один из названных композиторов на звание величайшего не тянет, поэтому с каждым из них нужно разобраться и присвоить соответствующий статус, начиная от великого и ниже.

Но прежде, чем заняться этим интересным делом, попробуем разобраться с русским композитором Модестом Мусоргским, за какие-то особые достоинства перенесенным автором из Х1Х в ХХ век с присвоением статуса величайшего композитора ХХ века.

Начиная с 1908 года на Западе на протяжении почти четверти века в ведущих оперных театрах многих стран давались спектакли “Бориса Годунова” Модеста Мусоргского с участием великого Шаляпина в роли царя Бориса. Слабая оркестровка самого композитора была неудачной и опера исполнялась в блестящей оркестровке композитора Николая Римского-Корсакова. Успех оперы везде и всегда был огромным. А когда опера в некоторых оперных театрах шла также в роскошных декорациях, то был фурор.

В советское послешаляпинское время также были великолепные спектакли “Бориса Годунова” в Большом театре с Александром Пироговым в главной роли и Иваном Козловским в роли Юродивого.

Но вдруг в каких-то музыкальных сферах стараниями интриганов и спекулянтов начались охаивания прекрасной оркестровки Римского-Корсакова, и какие-то пигмеи-композиторы стали предлагать свои варианты. При этом стали обвинять Римского-Корсакова, что своей оркестровкой он выхолостил прекрасную музыку Мусогского: музыку, лучше которой якобы ничего нет в русской музыке.

В первых рядах, конечно, оказался Шостакович, который сделал даже две оркестровки “Бориса Годунова”.

Oн сунулся к “Борису” с оркестровкой –
Кощунственной совковой перестройкой
И покалечил оперу изрядно,
На музыку надев оковы рядно.

Время прошло, и во многом разобрались. И только оперные деятели–ослы могут позволить себе обратиться при очередной постановке Бориса” к редакции Шостаковича. Даже Ростроповичу, при всей его знаменитости, вряд ли бы удалось протолкнуть подобное.

Теперь же об истинном величии Мусоргского как русского композитора.

Предлагаю свою собственную версию.

Вне всякого сомнения, великий, русский композитор Модест Мусоргский не превосходит ни Глинку, ни Даргомыжского, ни Римского-Корсакова, ни Чайковского, ни Рахманинова. А Чайковскому, на мой взгляд, он значительно уступает.

За музыку в операх “Борис Годунов” и “Хованщина” eго не следует считать новатором . В этих операх, как станет понятным из дальнейших рассуждений, Мусоргский показал себя выдающимся и добротным компилятором.

Мусоргский хорошо знал новаторскую оперу Александра Даргомыжского “Каменный гость”, и когда композитор ее сочинял, он активно участвовал как певец. Он также знал оперу Верди “Трубадур”, чему есть свидетельство Н. Римского-Корсакова в его книге “Летопись моей музыкальной жизни”. Следует полагать, что и опера “Риголетто” была Мусоргскому известна.

Весьма длительное знакомство (50 лет) и частое слушание оперы “Борис Годунов” натолкнуло меня на мысль, что отменные годуновские речитативы – это творческий художественный русско-итальянский сплав речитативных стилей “Каменного гостя” и

“Риголетто”. Taк следы монолога Риголетто Pari siamo при внимательном многократном прослушивании речитативов Бориса можно обнаружить на всем протяжении оперы, начиная с монолога Бориса “Достиг я высшей власти”.

Обратившись с подобным анализом к следующей опере Мусоргского Хованщине”, можно заметить значительный отход композитора от музыкального строения “Бориса Годунова” в сторону большей ариозности вокальной плоти. При этом некоторые арии, монологи и даже отдельные фрагменты еще более, нежели в “Борисе Годунове”, имеют сходство с некоторыми ариями из вердиевского Трубадура”. Так например, ария (^гаданье^) Марфы в первой части напоминает арию Азучены Stride la vampa, а в кантилене (^тебе угрожает опала^) по строению близка к соло Азучены в последнем акте Si; la stanchezza mopprime; а мелодия арии Шакловитого ^…ты в судьбине злосчастная, родная Русь^ близка к мелодии арии Манрико Ah! Si, ben mio.

Но оказывается не я один такой умный: в советском либретто с полным текстом “Хованщины”, изданным в 1929 году (с вводной статьей и примечаниями Сергея Бугославского), есть две любопытные пометки. Одна - перед текстом кантилены из ^гадания^ Марфы: ^широкая скорбная мелодия в русско-итальянском стиле^, а другая – сноска, относящаяся к тексту арии Шакловитого: ^Ария итальяно-русского склада в манере Глинки периода “Ивана Сусанина”^.

Ко всему написанному можно также добавить, что Мусоргский так навострился сочинять фразы с мелодиями в итальянском стиле, что соло Марфы в скиту (обращение к Андрею Хованскому): ^Слышал ли ты вдали, за этим бором^ - блестящий образчик итальянского речитатива, который вполне мог бы органично вписаться в партию Азучены в “Трубадуре”.

В связи с вышеизложенной моей версией феномена Мусоргского, я напрочь отвергаю утверждение автора статьи о том, что Музыкальная наука и эстетика во многом обоснованно относят творчество М.П. Мусоргского к ХХ-му веку. а также все авторские доводы по этому поводу, изложенные в статье.

На мой взгляд, в советском музыковедении в какой-то момент сложилось патологически нездоровое отношение к великому русскому композитору Мусоргскому с приписыванием ему каких-то особых музыкальных заслуг и новаторского таланта, каковых у него не было. Согласно утверждениям Д. Горбатова, некоторые музыковеды даже ^находили^ следы творчества Мусоргского в операх Верди и в музыке Хиндемита, которые уж никак не могли нуждаться ни в каких заимствованиях.

Анализ музыки “Хованщины” показывает, что в ней композитор резко отклонился от речитативного стиля построения монологов “Бориса Годунова”, который удачно подошел к пушкинскому тексту. Наверное, Мусоргский почувствовал нецелесообразность повторений.

А это подтверждает отсутствие новаторского принципа композиции, при овладени которым нет надобности в кардинальных переменах при переходе к следующему сочинению такого же профиля и масштаба.

Интересное определение, подчеркивающее отличие “Хованщины от “Бориса Годунова” имеется в упомянутой вводной статье С. Бугославского к либретто оперы: ^ “Хованщина” по своей музыкальной конструкции является не ^музыкальной драмой^, а оперой в старом смысле: здесь господствует мелодическое, точнее, песенное начало…^. Такой композиторский ^шаг назад^ также опровергает попытки представить Мусоргского как композитора-новатора, перешагнувшего из девятнадцатого в двадцатый век.

Я буду приветствовать тех музыкальных деятелей, которые в состоянии будут готовы согласиться с моей версией, в которой содержится также призыв отказаться от выдумок, касающихся прошлого русской музыки, и несуразных попыток извращения реальных культутных ценностей, по аналогии с попытками представления России как родины слонов.

И в соответствии с этим, признания огромного и гениального труда великого русского композитора Николая Римского-Корсакова, как ЕДИНСТВЕННО необходимого для опер Модеста Мусоргского, и не подлежащего более ничьему ^творческо^-жульническому вмешательству.

На основании изложенного я позволю себе исключить Мусоргского из списка композиторов ХХ века. Но при этом позволю себе заметить, что в девятнадцатом веке все-таки творил композитор, и притом величайший, который при необходимости(?) был бы достоин больше, чем любой другой, со всеми своими сочинениями находиться среди композиторов ХХ века. Это Рихард Вагнер.

Теперь я позволю себе рассмотреть список оставшихся 18-ти ^величайших^ композиторов ХХ века в целях установления уровня их разумного величия: от великого и ниже. Попробую оценить уровень соответствия каждого из этих композиторов одному из трех значений: великий, особо выдающийся и выдающийся.

На мой взгляд, при установлении уровня величия любого композитора нельзя игнорировать его популярность среди любителей классической музыки. При этом следует быть уверенным, что популярность композитора не является искусственной, дутой, сродни шостаковической, которая несомненно в течение ХХ1века постепенно будет затухать. Для истинно великих композиторов популярность в веках должна только возрастать.

Великие композиторы ХХ века

• Бела Барток (1881–1945) Венгрия
• Бенджамин Бриттен (1913-1976) Англия
• Клод Дебюсси (1862–1918) Франция
• Морис Равель (1875-1937) Франция
• Александр Скрябин (1871–1915) Россия
• Игорь Стравинский (1882–1971) Россия
• Арнольд Шёнберг (1874–1951) Австрия
• Рихард Штраус (1864-1949) Германия

(Я позволил себе добавить имена трех великих композиторов, пропущенных Д. Гобатовым, вероятно, по причине нецелесообрязности их отнесения к ^величайшим^).

Особо выдающиеся композиторы ХХ века

• Чарльз Айвз (1874–1954) США
• Альбан Берг (1885–1935) Австрия
• Антон Веберн (1883–1945) Австрия
• Пауль Хиндемит (1895–1963) Германия

(Здесь я решил не расширять список, хотя мне бы хотелось добавить к ним имя Ханса Пфицнера).

Эти композиторы, которых я назвал особо выдающимися , на мой взгляд, не могут называться великими только из-за недостаточной популярности. Можно ли считать и называть композиторов великими, когда основная масса любителей классической музыки не знает ни их имен ни их сочинений.

Выдающиеся композиторы ХХ века

• Витольд Лютославский (1913–1994) Польша
• Оливье Мессиан (1908–1992) Франция
• Сергей Прокофьев (1891–1953) Россия

(Здесь я решил ограничиться именами из списка Д. Горбатова, хотя вполне можно было бы добавить еще 2-3 десятка имен).

Музыка Витольда Лютославского является добротной, хотя особой оригинальностью не блещет (чувствуется влияние иногда Дебюсси, иногда Бартока или Стравинского).

Специально для Фишера-Дискау им был написан концерт для баритона с оркестром.

Оливье Мессиан – воспитатель ^творцов^ антимузыки (Ксенакис, Штокхаузен, Булез), - был высокоодаренным музыкантом и изобретателем новых технологических систем звуковой материи. Его музыкальные сочинения, в основном, религиозного характера, являются специфическими и весьма популярны во Франции. Для неискушенных любителей классики слушание музыки Мессиана тяжкое занятие. В его опере-орaтории “Св. Франциск Азисский” записался Фишер-Дискау.

Плодовитый русско-советский композитор Сергей Прокофьев, наряду с человеческими симфониями, фортепианными концертами и пьесами, сочинил много, на мой взгляд, бесцветной, раздражающей и антивокальной музыки (оперы “Огненный ангел”, “Семен Котко”, “Игрок” и Классическая симфония), а также теперь уже никому не нужной советской политизированной музыкальной дребедени.

Теперь об оставшихся в горбатовском списке композиторах, являющихся авангардистами:

Эдгарe Варезe, который ^обновлял^ музыкальный язык с помощью современной производственной техники и музыкальных шумов;

Джонe Кейджe, создававшем звуковую анархию;

Янисе Ксенакисе, использовавшего. приемы алеаторики, абстрактного характера звуковых комбинаций (его музыка предназначалась для необычного инструментального состава и магнитофонов);

Дьёрде Лигети, экспериментировавшего в сфере музыкально-инструментального ^театра абсурда^;

Луиджи Ноно, использовавшего серийную технику и алеаторику;

Стиве Райхе, композиторе-минималисте, ^создававшего^ музыку с помощью двух магнитофонов, включавшихся неодновременно - следует ли их вообще относить к каким-либо группам настоящих композиторов ХХ века? (Алеаторика - это принцип случайности в процессе ^творчества^ и исполнительства).

В 1951 Кейдж организовал в Нью-Йорке концерты, в которых использовались 12 радиоприемников, настроеенных на 12 различных радиостанций.

Стравинский назвал композиторов-алеаториков ^ходячими врагами искусства^.

Это- очень правильное замечание, согласно которому их, надо полагать, не следует ни считать, ни квалифицировать композиторами ХХ века.

Заканчивая статью, мне бы хотелось обратить внимание читателей на одно существенное обстоятельство: составляя список ^величайших^ композиторов ХХ века, Д. Горбатов почему-то пропустил имя единственного настоящего величайшего композитора этого века: Джакомо Пуччини (1858-1924).

Джакомо Пуччини – это, безусловно, самый великий из всех композиторов ХХ века.

Пуччини – новатор. Его высокохудожественный принцип органического слияния звучания оркестра и голосов до него не был достигнут ни одним композитором.

Пуччини – величайший мелодист ХХ века. Он - компзитор самых красивых мелодий столетия.

Пуччини – создатель самых популярных опер ХХ века, и его оперы будут доствлять радость людям всегда. Его “Тоска” - самая популярная опера среди всех опер, ставящихся крупнейшими оперными театрами мира.

Пуччини – настоящий композитор XX века, а квартет из Богемы” и терцеты из “Турандота”- это гармонические шедевры музыки ХХ века.

Пуччини – композитор самых красивых ансамблей в своих операх.

Пуччини лучше любого из всех иностранных композиторов сумел ухватить национальный колорит и создать яркую музыку в опере “Мадам Баттерфляй” (в благодарность за ее создание в Японии в честь композитора воздвигнут памятник) и свою, типично пуччиниевскую, но абсолютно американскую country music в опере “Девушка с Запада”.